Jinhwa Park: dodici direzioni di relazione

Descrizione

2023.08.16 ▶ 2023.08.27

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    manifesto della mostra

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    Parco Jinhwa

    Resonance of the Anthropocene 3 65x45.5cm, Tecnica mista, 2023

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    Parco Jinhwa

    Permeate-3 65.2x91 cm, Tecnica mista, 2023

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    Parco Jinhwa

    Metacognizione 38x38cm, Tecnica mista, 2023

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    Parco Jinhwa

    Resonance of the Anthropocene 1 130.3x162 cm, Tecnica mista, 2023

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    Parco Jinhwa

    Resonance of the Anthropocene 2. 130.3x162cm, Misto, 2023

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    Parco Jinhwa

    Network Aporism-6 130.3x130.3 cm, Tecnica mista, 2023

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    Parco Jinhwa

    Network Aporism-4 65x50 cm, Tecnica mista, 2023

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    Parco Jinhwa

    Aporismo di rete-3. 33.5x53 cm, Tecnica mista, 2023

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    Parco Jinhwa

    Aporismo di rete-2. 80x153 cm, Tecnica mista, 2023

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    Parco Jinhwa

    Rete 65x45.5 cm, Tecnica mista, 2023

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    Parco Jinhwa

    Aporismo di rete-1. 80x152 cm, Tecnica mista, 2023

• Comunicati Stampa

  I dipinti di Park Jin-hwa
  Dal sé e dalla rete delle relazioni al ristabilimento delle relazioni

  Kho Chunghwan (Critica d'arte)

  Qui c'è una griglia di stanze collegate tra loro. Sono sicuro che gli appartamenti siano così, ma va bene dire che non è un appartamento. Ogni stanza è abitata da persone, paesaggi, case e motivi e schemi astratti talvolta sconosciuti. Forse esiste anche una stanza dove vivono i ricordi. L'artista Park Jin-hwa chiama questa serie di dipinti. Se tradotto in coreano significherebbe la storia di una relazione (rete).
  Perché si stabilisca una relazione, io devo esistere e tu devi esistere. Può essere una persona, un oggetto, la natura, un paesaggio, un sogno o un'idea. In questo modo, le persone vivono in relazione con esseri materiali e immateriali. È così che viviamo, a volte amichevoli e talvolta ostili attraverso le relazioni interpersonali, confortati dalla natura, toccando oggetti che sono stati macchiati dalle nostre mani, frustrati dalla realtà e dal sogno. Non può esserci storia in quella vita. I motivi e i motivi astratti che appaiono nel dipinto rappresentano probabilmente ciascuna di queste storie colorate e diverse. Esistono molte definizioni diverse di arte, ma la più importante è che l'arte può essere l'arte di raccontare storie. In questo modo, l'autore raccontava le storie delle persone e le storie derivate dalle loro relazioni nella vita.
  C'è qualcosa di interessante nel dipinto qui in termini di forma, poiché sembra che ogni stanza fosse collegata cucendo pezzi di stoffa uno per uno. Non solo la cucitura, ma anche la trama e il colore reali del tessuto tradotti nell'immagine, il lavoro e l'artigianato risaltano e penso che lo straordinario senso dell'artista sia in piena mostra. L'autore ha affermato di aver tratto questo senso e questa idea dal patchwork tradizionale. Conosciuto come l'essenza della cultura Gyubang, Jogakbo, che riflette l'identità sessuale delle donne, conteneva la vita, la natura, le storie, l'universo e l'esistenza nelle donne antiche. E l'autore ereditò quello spirito e quel senso e disegnò un ritratto della vita dei suoi contemporanei.

  E in un'altra opera dell'artista, questa volta, invece del patchwork, sembra un lungo legno colorato verticalmente impilato a strati, con sopra la sagoma di un volto umano, e talvolta vi vengono aggiunti vari oggetti come le barche. è una serie di immagini. Questi sono dipinti nominati dall'artista come , , , e . Si tratta probabilmente di dipinti che interpretano le relazioni in un'altra forma. Fasce colorate di colore formano lo sfondo del dipinto e, a seconda del motivo posto sopra, il dipinto diventa un paesaggio interiore che trasmette la narrazione della vita, come un viaggio della vita o un viaggio della vita, o un concettuale paesaggio.
  Una caratteristica degna di nota di questa serie di dipinti è lo strato di bande di colore che riempiono lo schermo. Questi strati contengono anche un significato significativo e, come afferma il titolo, gli strati ricchi ci ricordano lo strato del sé, lo strato della storia e lo strato dell'esistenza. Il poststrutturalismo vede il sé come un insieme casuale e indiscriminato di altri piuttosto che come un tutto organico. Le cose che nascono dalle relazioni con gli altri mi creano e nelle relazioni con gli altri mi rinnovo ogni volta. Pertanto non esiste un io puro, un'entità fissa, al di fuori della relazione con gli altri. Gli strati di fasce colorate mostrati nel dipinto rappresentano probabilmente questa relazione con gli altri che mi creano e mi rinnovano. È diventato una parte di me, e quindi forse rappresenta lo strato degli altri piuttosto che il mio strato. Il significato ontologico degli strati è questo, e se lo pensiamo come uno strato della storia, possiamo pensare all'episteme di Michel Foucault, e quindi alla linea di faglia del sapere dominante di ogni epoca.
  In questi dipinti si trova anche qualcosa di formalmente interessante: le fasce di colore che riempiono lo schermo attraverso lo schermo ricordano il colore e la struttura del legno dipinto uno per uno. L'artista disegna e traduce i colori e le texture uno per uno nell'immagine, ma da dove diavolo provengono quei colori e quelle texture? Probabilmente d'epoca. Se dovessimo fare una distinzione, un oggetto d'antiquariato è un oggetto d'antiquariato, e il vintage è diverso in quanto imita l'atmosfera di un oggetto d'antiquariato. Può essere visto come un'imitazione del tempo, una direzione del tempo e un modellamento del tempo per ottenere una sensazione vecchia e logora. Walter Benjamin diceva che è il destino delle cose che tutto ciò che è nuovo venga rapidamente assorbito nel tempo e trasformato in un oggetto che evoca nostalgia. I colori e le texture visti nei dipinti dell'artista derivano probabilmente dalla nostalgia evocata da questi vecchi oggetti, in particolare oggetti che confortavano l'artista mentre trascorreva del tempo con lui.

  Ed ecco un'immagine in cui la sagoma di un volto umano è contrastata e riflessa come in uno specchio d'acqua. C'è anche un dipinto di una persona che forse abbraccia l'Albero della Vita al petto. C'è anche un dipinto in cui una persona porta in testa una persona più piccola, come se un fiore stesse sbocciando. Forse è un'espressione di tendenze autoriflessive, un'espressione di vita e un'espressione di eredità generazionale tramandata di generazione in generazione.
  Questi dipinti si chiamano , e in questa serie di dipinti l'artista affronta il discorso dell'Antropocene, recentemente emerso come una questione scottante a seguito del disastro ambientale e della crisi climatica. Come sapete, l'humus è un terreno naturale contenente sostanze nutritive che viene utilizzato quando si cambiano i vasi di fiori. Forse sottolinea la vitalità della terra e, insieme alla vitalità della natura, ci ricorda Gaia, la dea della terra che governa la vita. Attraverso ciò l'autrice deve prendere coscienza dell'archetipo della donna (la sessualità), che va oltre se stessa ed è rappresentata dalla terra e dalla vita da cui ha avuto origine. In questo modo l’ambito del lavoro e la categoria della coscienza verranno ampliati dal sé all’altro.
  E in relazione al discorso sull'Antropocene, l'autore lo cita anche nella nota dell'autore, ma l'etimologia della parola umano è vista come humus, le persone sono viste come una forma modificata del suolo, e gli animali e le piante che alla fine ritornano al suolo. , la teoria di Donna Haraway di trovare nuove soluzioni formando relazioni con vari partner e che tutti gli esseri nel mondo, siano essi sociali o naturali, cambiano costantemente ed esistono in relazioni reciproche, e ciò che realmente esiste sono umani e non umani. grazie a Bruno Natur, che è l'insieme di , cioè di una rete eterogenea.
  Con questo capisco da dove viene il titolo “L’humus dell’autore”. Come è noto, il discorso sull’Antropocene parte dal fatto che devono essere aboliti i limiti delle idee antropocentriche basate sull’Illuminismo e devono essere ristabilite le relazioni tra persone e persone e cose. E parte dal fatto che va abolito il pensiero naturale strumentale, che è una branca della ragione strumentale, e va ristabilito il rapporto tra uomo e natura. Come logica pratica, è necessario un cambiamento nella percezione da un sistema verticale (studio) che enfatizza implicitamente la classe a un sistema orizzontale (studio) che enfatizza le differenze, e il compito chiave è ripristinare le relazioni. Sarebbe quindi bene prevedere che l'ossessione dell'autore per il tema delle relazioni, da cui è sempre stato ossessionato, si espanderà e si riprodurrà in futuro oltre sé stesso, e forse anche oltre l'Altro (rapporto con l'Altro). , come opportunità per incontrare il discorso dell’Antropocene.

  titolo della mostraJinhwa Park: dodici direzioni di relazione

  periodo espositivo2023.08.16 (mercoledì) - 2023.08.27 (domenica)

  Artista partecipante
  Parco Jinhwa

  tempo di visione 10: 30am - 06: 00pm

  giorni chiusi없음

  genereconversazione

  tassa di ammissione무료

  postoMuseo d'arte Sunkwang (15, Sinpo-ro 4beon-gil, Jung-gu, Incheon)

  supportoFondazione Culturale di Incheon, Città Metropolitana di Incheon

  연락처032-773-1177

• Artisti in questo spettacolo

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    Parco, Jinwha

    Nato a Incheon nel 1966

Maggiori informazioni su Instagram @artncba