Lee Yu-seong: Cowboy

Descrizione

2023.07.28 ▶ 2023.08.20

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    manifesto della mostra

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    Lee Yu-seong

    Painkiller Buddha 2023, disegno di So Min-kyung su benda in gesso, legno, 165x40x45 cm

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    Lee Yu-seong

    Senza titolo (parziale) 2023, benda in gesso, filo, filo, legno, 165x40x45 cm

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    Lee Yu-seong

    Sposa (parte) 2023, benda in gesso, legno quadrato, filo, filato, 184x44x40 cm

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    Lee Yu-seong

    Senza titolo 2023, benda in gesso, filo, filo, legno, 165x40x45 cm

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    Lee Yu-seong

    Senza titolo (Dettaglio 2) 2023, benda in gesso, filo, filato, legno, 165x40x45cm

• Comunicati Stampa

  “Cowboy” (Art Space Security 3, 2023.7.28-8.20.) è la terza mostra personale di Lee Yu-seong ed è il risultato dell’espansione della portata del suo lavoro attraverso l’esplorazione dei simboli e delle forme del corpo umano. L'artista ha creato cinque statue in piedi realizzate ritagliando corpi reali di altre persone utilizzando calchi in gesso, quindi tagliando, cucendo e ricostruendo i telai, e un'installazione scultorea in cui frammenti di alluminio che imitavano parti del proprio corpo erano imperfettamente rimontato e allestito, organizzato la mostra. Osservando le immagini di oggetti che compongono principalmente il suo lavoro precedente - sebbene avesse parzialmente scolpito il movimento del corpo o esplorato la fisicità degli oggetti in una precedente mostra collettiva [1] a cui aveva partecipato - questa volta, la forma reale di il corpo umano è chiaramente rivelato e inoltre viene rivelato l'intero corpo.Il metodo di implementazione è un tentativo in una direzione sconosciuta. Pertanto, per coloro che hanno già familiarità con il lavoro di Lee Yu-sung, le figure umane presenti in questa mostra potrebbero sembrare un tradimento. Tuttavia, il tradimento è un'illusione di chi guarda. L'artista ha sempre il diritto come creatore di essere libero nell'ambito del suo lavoro (che parte anche dal concetto di essere umano), e 'Cowboy', che l'artista stesso ha dato come titolo alla mostra, gioca sul concetto natura del “tradimento” rivelandolo pienamente.

  Ecco perché è sempre interessante assomigliare agli umani. (Ciò è vero anche adesso che è arrivata l’era dell’intelligenza artificiale non umana.) La simbolizzazione degli esseri umani è un meccanismo di tipizzazione e distorce anche le loro proprietà. La figura tipica del cowboy[2] ha guidato l'immagine di un pioniere basata sulla verticalità e sulla potenza atletica del corpo maschile, ma questo pioniere non produce potere familiare come il patriarca. Come i pastori dell'antichità,[3] proteggono il villaggio, ma di solito sono raffigurati come figure vacillanti che non riescono a mescolarsi al gruppo, come granelli di sabbia mossi dal vento nel deserto. Nei film, vediamo spesso una varietà di personaggi anomali che passano allo stato queer in quella solitudine. E ora anche quell'anomalia viene interpretata come una tipologia,[4] e l'attributo invertito si è diffuso fino a chiamare "bambine" gli attori maschi di mezza età[5]. A proposito, l'espressione chiamare "cowboy" uno scultore è la stessa che ho sentito? [6] In ogni caso, un cowboy è un intermediario che guida l'individuo quel tanto che basta per impedirgli di smarrirsi, un guardiano che non trattenerlo, oppure semplice ma forte (entrambe caratteristiche). È un umanoide che opera nella direzione opposta, e in questa mostra - come il vuoto lasciato dopo aver scavato la carne dei valori d'uso culturali accumulati nel tempo - compie tale un ruolo archetipico. Sebbene manchi intenzionalmente di connessione con ogni singola opera, intreccia la coesistenza di figure umane in questa mostra. Se guardiamo alla logica fedele all'individualità dell'artista [7], che continua dal lavoro precedente, alla base c'era il 'tradimento', come dividere a metà la prospettiva fissa di un oggetto, unire le sostanze estranee, e permettendo alla struttura esterna di scavare nella carne - 'Tradimento', che veniva applicato a un oggetto come opera d'arte, viene ampliato in una categoria che attraversa la prospettiva dell'intera mostra attraverso 'Cowboy'.

  D'altro canto il cowboy ricorda un movimento opposto, quindi se dovessimo supporre che nel punto a cui mira in questa mostra ci sia qualcosa, dovrebbe essere una "conchiglia". È generalmente bianco, occasionalmente ricoperto di pittura ad acquerello, ma anche quello si trova in uno stato intermedio in cui scompare nelle particelle bianche della superficie (allo stesso tempo, viceversa, la trama della griglia conserva il colore), e i fori non sono completamente riempiti , ma l'interno e l'esterno, la parte anteriore e le Cinque conchiglie a forma umana, con il dorso capovolto, che stanno bene anche se vuote, alcune sostenute da strutture di filo metallico non molto spesse, sono rivolte verso lo spettatore. Immagina il processo seguito dall'autore per rimuovere questa shell. Il materiale deve aderire strettamente al corpo, alla pelle, dove i muscoli si dimenano e nei pori si forma il fluido. La 'conchiglia', un'immagine corporea creata da Lee Yu-seong che ci ricorda il senso del tatto, non è la pelle come oggetto, ma evoca inevitabilmente l'immagine della pelle. La pelle, che “lega insieme il corpo, sostiene l’uomo nella posizione eretta, protegge il corpo dagli attacchi esterni, cattura e trasmette stimoli e informazioni utili” [8], è un meccanismo per la formazione dell’Io in psicoanalisi. , ed è stata concettualizzata come "busta" da Didier Angieu. Ma per qualche ragione, il corpo umano di Lee Yu-seong non è chiaramente né pelle né un involucro, che è un'estensione della pelle. È solo un “guscio” senza ego da proteggere. Se cerchi qualcosa di simile - anche se si tratta di una forma corporea standard che non ha nulla a che fare con la "pelle digitale" - sarebbe più vicino alla pelle come "mondo e ferita" che apre "portali e passaggi"? [9] A questo punto, il "guscio" di Lee Yu-seong come linguaggio formativo e materiale si rompe ricordandoci il significato di avvolgere come barriera protettiva o riparare difetti biologici.

  Ciò che rimane sul guscio è traccia di una relazione non verbale chiamata contatto che si forma attraverso la pelle, un confine sensoriale dove coesistono buchi e superfici. Le mani dell'artista devono aver ripetutamente picchiettato, strofinato e coperto la pelle di altri. Inoltre il tempo di asciugatura della benda gessata è breve e se non si presta attenzione verrà schiacciata e compressa, quindi anche se il movimento di avvolgimento del corpo diventerà più veloce, si fermerà facilmente alla minima irregolarità o pelo sulla superficie. pelle. La cosa che abbracciava silenziosamente la cosa vivente e contorta sarebbe facilmente scivolata fuori dalla sua forma, lasciando intatti solo la struttura e il corpo. Il 'guscio' che rimane diventa così il segno di un corpo collassato e assente, e rimane come se tracciasse il potenziale formativo del corpo, la possibilità di diventare testo performativo senza eseguire. Forse questa conchiglia evoca pensieri sull'immagine del corpo come un fantasma. L'artista non ha parlato in termini di 'fantasma', quindi è pura fantasia dello spettatore, ma questo corpo bianco somiglia automaticamente a quanto diceva Agamben citando Platone e Aristotele: cera che può incidere qualcosa che si ricorda e che lascia traccia anche dopo viene rimosso e ci ricorda l'essere spirituale che sarebbe stato all'interno di quel guscio e l'illuminazione che induce.[10] Le caratteristiche umane, la carne e le ossa, le relazioni sociali di coloro che hanno rinunciato volontariamente al proprio corpo convivono in questo involucro in modo asincrono.

  La benda di gesso che è servita come base per la scultura umana a conchiglia di Lee Yu-seong non è niente di speciale in termini di colore, forma o consistenza. Inoltre, viene utilizzato principalmente per la semplice modellatura e viene immediatamente scartato dopo aver rigenerato i difetti nella struttura interna del corpo. In termini di status materiale, è naturale essere secondari. Se entra in contatto con l'acqua diventerà molle e se lo premi con forza si romperà rapidamente. Scultoreamente è un materiale pieno di difficoltà. Tuttavia, d’altro canto, la disponibilità e l’individualità di questo materiale sembrano essere state la scelta ottimale per l’artista che voleva rimuovere i simboli dal corpo umano e creare “un senso di uno spazio senza distinzione di valore”[11] . A questo punto, Lee Yu-seong prepara un'altra scelta insidiosa come scultura umana. Le figure umane esplorate per quest'opera sono quelle che implicano una tipicità dello spazio e del tempo completamente diversa dalla temporaneità delle bende di gesso. La statua del David di Donatello, la performance e i costumi di Beyoncé, la statua dell'angelo nei Musei Vaticani, la statua del Buddha della Medicina di tradizione buddista, il rilievo della "schiena" di Henri Matisse e la bara della mummia erano i prototipi spettrali di queste conchiglie. Successivamente l’autore tradisce ancora una volta la sua scelta. “Le condizioni granulari del corpo come hardware, che possono essere viste come regressive e possono rappresentare una limitazione in termini di scultura moderna”, vengono “riciclate” e “hackerate” sostituendole con “valori informativi specifici e dettagliati”. Queste forme umane come norme scultoree si sovrappongono ai corpi di persone reali e vengono misteriosamente riflesse o cancellate nel processo di fusione come "gusci", portando a eventi di degenerazione come sessualità, grottesco, iconoclastia, tremori epidermici causati da droghe e spazio astratto produce sensazioni.

  Ora, a differenza dei corpi degli altri eretti, il corpo lasciato sospeso sul pavimento. Mentre penso a questi frammenti di alluminio autofusi e collegati al corpo dell'artista, improvvisamente mi viene in mente questa domanda. Si dice che le sculture del corpo umano di Lee Yu-seong facciano scelte diverse alla luce della tradizione della maggior parte delle sculture, che è l'esplorazione del sé dell'artista come normativo e protagonista. Questi “gusci” non ci ricordano gli esseri umani come “corpi” che sono semplicemente “materiali che prendono vita e poi ritornano in uno stato inerte” [12]? Il metodo di Lee Yu-seong di avvolgere il corpo con bende di gesso è simile in linea di principio al processo di sigillare un cadavere in una mummia o di creare una maschera mortuaria. In questo modo si tocca la questione del corpo che si pone dopo che la sua esistenza è stata cancellata, cioè il corpo dopo la morte o il corpo come oggetto (questo ricorda e tocca anche la pelle). Si dice che il cadavere sia sacro perché è un oggetto. E quando anche il corpo umano vivente rientra nella categoria degli oggetti, paradossalmente possiamo fondare su basi solide i nostri diritti sul corpo.[13] In origine, la scultura chiamata "conchiglia" traeva origine da un "rituale banale" in cui l'artista raccoglieva con delicatezza mani, piedi e volti di amici intimi che visitavano il suo studio. In questa mostra, un'immagine del corpo è stata scolpita sulla base delle caratteristiche di una persona. struttura corporea e condizioni comportamentali, è diventato il mio linguaggio di lavoro. Rispetto al corpo intero, il corpo in frammenti ci fa percepire il corpo come un oggetto piuttosto che come una persona intera. Quando si perde la personalità, il valore del corpo come “guscio vuoto” ci porta a guardare indietro all’uomo.

  Scritto da / Jinju Kim (Curatore, Museo d'arte di Seoul)

  
  [1] (2022, N/A, a cura di Jeppe Ugelwig), mostra speciale (2021, Art Sonje Center, a cura di Kim Hae-ju) e So Min-kyung Sebbene non riproduca il corpo di, ha elementi che possono essere lette come determinate caratteristiche fisiche (volume, scheletro, movimento). Tuttavia, poiché è un punto che deve essere chiaramente distinto se appaia o meno una figura umana reale, non può essere utilizzato come prova che l'autore abbia dato priorità all'esplorazione fisica.

  [2] È una descrizione molto ovvia, ma se ci pensate, un corpo maschile eretto saldamente a forma di A con un'ampia larghezza delle spalle, un cappello dalla curva fluida che sembra abbracciare il vento occidentale al culmine del verticale, e un abbigliamento creato con armi da fuoco appese a entrambe le tasche dei pantaloni. , È come cavalcare un cavallo e guardare dritto davanti a sé.

  [3] Anche Gesù era pastore. È facile trovare meme su Internet che trasformano l'aspetto di Gesù in un cowboy.

  [4] Nella mia ricerca sui cowboy queer, ho scoperto questo libro, Chris Packard, “Queer Cowboys” (Palgrave Macmillan, 2016). Per l'emergere dei cowboy queer nella cultura popolare, vedere questo articolo. CS, Harper, "Perché il cowboy è sempre stato queer come folk nella cultura pop", 23 maggio 2023, Alternative Press,

  [5] Intorno al 2021-2022, è emerso un fenomeno nella cultura pop inglese-americana in cui gli attori maschi di mezza età venivano chiamati babygirl nel fandom. Un attore rappresentativo è Pedro Pascal, apparso in “Narcos”. Gavia Baker-Whitelaw, “Cosa significa babygirl? E perché si riferisce a uomini di mezza età?”, 10 maggio 2023, Daily Dot,

  [6] Potrebbe essere che uno scultore che si occupa di messa sia come un cowboy che sta da solo nel deserto e sopporta il peso del mondo? Il genere implicito nel cowboy non è correlato al genere o alla sessualità di ogni scultore?

  [7] Ciò che rende attraente il tradimento nel lavoro di Lee Yu-seong è il surrealismo rivelato nel lavoro formativo. In confronto, l'influenza di una cornice molto realistica (il corpo umano) non può essere cancellata dalle caratteristiche formative di queste opere. Sebbene non sia divisa, con le mani sovrapposte, o con lo yin che diventa yang, o senza variazioni, lo spettatore non sarà comunque in grado di lasciare andare la figura umana. Dovremmo valorizzare il salto dal surrealismo alla forma umana? O dovremmo semplicemente dire che presenta ancora elementi surreali? Pensavo che entrambe le storie fossero sviluppi poco interessanti.

  [8] Didier Angieu, “Skin Self”, tradotto da Kwon Jeong-ah e An Seok (Seoul: Human Comedy, 2008), 42.

  [9] Legacy Russell, “Glitch Feminism Manifesto”, tradotto da Dayeon (Seoul: Mediabus, 2022), 109-111.

  [10] Giorgio Agamben, “Between the Lines”, tradotto da Byeong-eon Yoon (Seoul: Consonants and Vowels, 2015), 154-159.

  [11] Nel testo seguente, le parti contrassegnate tra virgolette senza alcuna fonte di citazione specifica sono le parole e gli scritti dell'autore Lee Yu-seong, e la maggior parte di essi provengono dalle note dell'autore condivise dall'autore tramite Google Docs. 2023.

  [12] Jean-Pierre Beau, “La mano rubata”, tradotto da Kim Hyeon-gyeong (Seoul: Eum, 2019), 128.

  [13] Jean-Pierre Beau, “La mano rubata”, 48-68.

  titolo della mostraLee Yu-seong: Cowboy

  periodo espositivo2023.07.28 (ven) - 2023.08.20 (dom)

  Artista partecipante
  Lee Yu-seong

  tempo di visione12:00pm - 06:00pm

  giorni chiusiChiuso ogni lunedì

  genere?

  tassa di ammissione무료

  postoArt Space Boan 3 ARTSPACE BOAN 1942 (33 Hyoja-ro, Jongno-gu, Seoul (Tongui-dong))

  ospiteMuseo d'arte di Seul

  supportoMuseo d'arte di Seul

  연락처02.720.8409

• Artisti in questo spettacolo

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