Senza titolo: Piano, Strato

Descrizione

2023.06.16 ▶ 2023.07.22

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    manifesto della mostra

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    Nick Schleicher

    OLI-DCT-O 2021, acrilico, gel lucido, mezzo per lucidatura e pigmento iridescente

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    Kalani Largusa

    Bloom_Paradise 2023, tecnica mista su tela, 20 x 18 pollici, 50.8 x 45.7 cm

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    Daehee Lee

    Hover50-1 2023, acrilico su tela, 116.8 x 91 cm

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    Choi In-ah

    Underground Lovers 2022, Olio, acrilico e pittura spray su tela, 116

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    Jake Bogg

    Depressione tropicale 2023, gres, engobbi, macchia, sottosmalto, 10 x 11 pollici, 2

• Comunicati Stampa

  La Galleria JJ ha preparato la mostra Untitled: Plane, Layer, composta da cinque artisti che lavorano negli Stati Uniti e in Corea con diversi contesti culturali. Questa mostra si concentra sulla formatività astratta che è alla base dell'arte moderna e che ancora oggi ci affascina e ci avvicina in un modo nuovo, e presenta dipinti degli artisti Dhehee Lee, Inah Choe, Kalani Largusa e Nick Schleicher (Nick Schleicher) e artista della ceramica Jake Boggs. Questi cinque artisti esplorano nuove possibilità di astrazione esplorando la condizione o il materiale della superficie piana.

  La piattezza, che molto tempo fa era l’obiettivo della pittura modernista, è ora diventata familiare come elemento critico e astratto dell’arte moderna, e molti artisti stanno ancora cercando di riprodurla a modo loro. Mentre esistono una serie di prospettive che si preoccupano del rapporto tra estetica e commercio, che si considerano ormai superate, l’ubiquità, l’assenza di profondità e la superficialità del simulacro e delle immagini superficiali che sperimentiamo nell’attuale società globalizzata sono coinvolte in un altro nuova forma di planarità e profondità.

  I cinque artisti in mostra si astengono da un'empatia eccessiva o da un'oggettivazione estrema e si avvicinano alle cose con piani e tecniche elaborati prima del caso. Come una delle metodologie, esplora la "creazione di segni", che si può dire sia la base della pittura, e mostra varie tecniche astratte che possono essere espresse sullo schermo con "strati" ripetitivi. Gli strati realizzati in modi diversi da ciascun artista enfatizzano l'aspetto bidimensionale e fanno emergere la pura struttura estetica del dipinto. A volte vengono applicati elementi contrastanti nel colore, nel materiale e nella forma. L'assunzione di concetti contrastanti, la sovrapposizione di colori opposti e linee ben studiate (Ragusa, Daehee Lee), la profondità di una superficie superficiale e ambigua per la forte matericità dei pigmenti (Schleiker), forme ibride di tempi e spazi diversi (Borgs) ) , muovendosi tra frammenti di rappresentazione e astrazione, elementi sensoriali e formativi (Choi In-ah). La mostra diventa più ricca di contenuti poiché ogni artista scopre diversi punti di interesse semplicemente esplorando l'aereo.​

  Le diverse storie di vita e prospettive sul mondo degli artisti possono essere intraviste anche attraverso il loro linguaggio visivo unico. Il lavoro di Daehee Lee mette in discussione la nostra percezione visiva del "vedere" presentando al pubblico una raccolta di elementi formali fluttuanti della pittura, piuttosto che un oggetto o un'immagine specifica. Nel frattempo, sculture che vagano coesistono ma non rivelano mai la loro vera profondità. essere la propria identità e le proprie esperienze innescate in un ambiente multiculturale. Choi In-ah, che presenta opere astratte narrative al confine tra figurazione e astrazione, mostra una visione del mondo creata dalla sovrapposizione di numerosi momenti e momenti. L'astrazione luminosa e colorata di Schleiker va oltre l'accuratezza e la chiarezza del minimalismo e persegue argutamente qualcosa di più emotivo e umano, mettendo in discussione l'ordine universale e l'eternità. I dipinti astratti di Ragusa, che innescano il discorso della pittura moderna tracciando il processo pittorico con pennellate dinamiche ed esplorando la creazione di segni nel tempo, sono intrisi di ispirazione poetica. Boggs, che è l'unico artista che lavora con i materiali ceramici in questa mostra, combina tradizioni orientali e occidentali con forme di epoche diverse, facendoci riflettere sulla nostra esistenza nel tempo attraverso ceramiche ibride familiari e sconosciute che trascendono il tempo e lo spazio.

  Questi cinque artisti hanno continuamente comunicato e formato un consenso interagendo insieme in vari luoghi, dall'Art Institute of Chicago (SAIC) a uno studio alle Hawaii, e alcuni hanno creato il titolo "Fiori per i miei amici" per sostenersi e celebrare l'un l'altro. arte È stato esposto. Questa mostra si concentra sui loro nuovi lavori e mira a studiare l'argomento nel quadro più ampio dell'espansione dell'astrazione, dando allo stesso tempo uno sguardo nuovo al lavoro di ogni individuo. Ragusa e Boggs, già riconosciuti per le loro capacità artistiche con un linguaggio formativo consolidato, sono artisti attivi alle Hawaii e Schleiker si sta facendo notare a St. Louis. Sta facendo scalpore anche Lee Dae-hee, che lavora in Corea, riscuotendo simpatia da parte del pubblico e facendo collezionare le sue opere da istituzioni importanti, mentre Choi In-ah sta gradualmente rivelando le sue capacità di giovane artista emergente.

  Sebbene le loro opere astratte con sensibilità diverse non possano essere definite in un'unica categoria, il loro atteggiamento di andare avanti e indietro tra regole e improvvisazione, imparare dalla storia attraverso i luoghi, porre domande e costruire espressioni è lo stesso. La mostra considera le nuove possibilità e l'espansione dell'arte astratta nel 21° secolo ponendo domande su cosa c'è di nuovo nel linguaggio estetico formativo di questi giovani artisti e dove mira a raggiungere. Nel frattempo, nella mostra, spero che incontrerete un momento di pensiero insolito estratto dalla familiarità e dalla consuetudine, e sperimenterete la libertà della vostra mente astratta come se steste guardando il lavoro di .

  /Lee Dae-hee

  Daehee Lee, che presenta la serie verde "Melting pot" e la serie multicolore "Hover", crea nuovi spazi con strati di colore unici. Sullo schermo, forme organiche si sovrappongono e dominano lo spazio, fluttuando davanti o dietro l'altra. Qui, le varie texture si uniscono perché si creano vari strati man mano che i colori continuano ad essere aggiunti. L'artista ha stabilito un metodo di lavoro unico per costruire strati utilizzando il metodo del 'mascheramento'. In altre parole, il processo di colorazione utilizzando nastro adesivo molto sottile e il processo di tagliare e incollare con cura il nastro e staccarlo vengono ripetuti alternativamente, costruendo strati in ordine cronologico sfalsato.

  In questo lavoro, improvvisazione e regolarità lavorano insieme. Ci sono sezioni trasversali ritagliate nettamente e in modo pianificato come a voler catturare un'unica forma, mentre d'altra parte, all'interno dei bordi elaborati, matiere pittorico accidentale creato da pennellate ruvide o talvolta delicate è liberamente collocato in un unico quadro . Gli strati non sequenziali, con il primo strato che sale verso la parte superiore dello schermo, conferiscono all'opera un senso del tempo continuo. Il critico Kim Seong-ho afferma che il lavoro di Lee Dae-hee è un dipinto ibrido e un dipinto del "tempo" che accumula tracce e dimostra l'esistenza dell'opera d'arte stessa grazie alla temporalità che collega passato, presente e futuro .

  Elementi di omogeneità ed eterogeneità come colori caldi e freddi, strati trasparenti o opachi e trame ruvide o delicate convivono nello schermo, che abbraccia concetti contrastanti come aggiungere e tagliare, cancellare e rivelare, avvolgere e dispiegare. Questi numerosi elementi formano relazioni e sognano di convivenza e fusione, ma ci fanno anche pensare alla nostra vita in relazioni in cui non possiamo conoscere la profondità l'uno dell'altro.

  /Choi In-ah

  I dipinti di Choi In-ah sono interessanti per il gioco di immagini che si dispiegano al confine tra astrazione e figurazione con colori armoniosi. Il lavoro di Choi In-ah, che inizia con un'esplorazione del mezzo pittorico, si concentra sulle relazioni organiche tra le immagini sovrapposte sullo schermo e scopre immagini per costruire nuove scene pittoriche. Paragona questo lavoro a quello di un archeologo che trova manufatti nascosti nel terreno e scopre la storia.

  L'artista sovrappone su un unico schermo ricordi frammentati di spazio e tempo discontinui e astrattamente distribuiti. L'artista, che fin dall'infanzia ha sperimentato numerosi cambiamenti nell'ambiente culturale, si è interessato agli infiniti cambiamenti stessi e la consapevolezza che "il mondo è uno stato processuale creato dalla sovrapposizione di numerosi momenti e momenti" è diventata presto la base di Choi In -ah, il lavoro è stato raggiunto Aggiunge o sottrae ripetutamente vari elementi formativi come linee e superfici mentre risponde sensualmente ai colori, alle forme e alle trame che emergono da motivi narrativi come ricordi personali e vita quotidiana. Attraverso il processo di interazione tra intenzione ed elementi accidentali, gli elementi frammentati si intrecciano gradualmente in modo organico all'interno di uno schermo, creando un nuovo ritmo e una nuova storia. Un mondo costruito ripetendo la creazione e la scomparsa del significato, apre nuovi significati e possibilità che si presentano costantemente allo spettatore. Potrebbe essere che i paesaggi astratti narrativi non familiari dell'artista abbiano origine dalla sua "necessità interiore" e dalla riconciliazione con il mondo esterno, piuttosto che dalla fiducia infinita o dall'opposizione al mondo che ci circonda?

  
  /Kalani Largusa

  Kalani Ragusa, che lavora alle Hawaii, presenta dipinti astratti caratterizzati da tratti dinamici e colori colorati. Visualizza principalmente schermi di grandi dimensioni che massimizzano il colore e l'armonia dei colori opposti e le linee geometriche accuratamente pianificate sono stratificate. Concentrandosi sul processo di creazione di un dipinto, esplora la creazione di segni, che si riferisce alla marcatura di varie linee, motivi e trame che sono i componenti della pittura e la base dell'espressione nel tempo. Il desiderio dell'uomo di esprimere e trasmettere qualcosa ha lasciato tracce o segni, come sfregamenti, graffi e scarabocchi sulle superfici, da lontane pitture rupestri. Questo non è altro che il primo linguaggio e la prima immagine che utilizziamo per comunicare con gli altri.

  I simboli, i modelli e i simboli schematici delle tracce che tentano di esprimere qualcosa in questo modo variano a seconda della regione e dell'epoca. Tra questi, l'artista fa spesso riferimento ai simboli e alle metodologie dei tatuaggi polinesiani della regione in cui vive e all'iconografia dei fumetti occidentali. Ad esempio, i tatuaggi polinesiani, incluso quello hawaiano, sono costituiti da vari modelli e modelli di molti gruppi etnici, e ci sono soprattutto molti modelli che simboleggiano il mare, la casa della loro vita, come pesci, conchiglie e onde. L'artista evoca queste cose nel suo lavoro, studia i capisaldi della pittura e li interpreta con le sue nuove emozioni e sensi.

  Esaminare le tracce, gli scarabocchi e i tratti delle espressioni accumulate storicamente è uno sguardo al processo di creazione dei dipinti, che a sua volta presenta varie questioni correlate e condivise con i dipinti contemporanei. Il mondo è più dinamicamente connesso e fluido che mai. Oggi, copertine come i disegni a tratto singolo di Lee Kang-so e gli scarabocchi di Cy Twombly sono diventati forme piuttosto che espressioni. Qual è la modalità di esistenza della pittura che può continuare nel futuro? Le pennellate astratte e le linee scarabocchiate che riempiono i dipinti di Ragusa sono bellissime, e la continua esplorazione e l'interpretazione alla moda del processo pittorico permettono al suo lavoro, così come ai dipinti di oggi, di penetrare il tempo e la storia, dando alle persone ispirazione estetica ed emotiva. può essere espanso in vari significati.

  
  /Nick Schleicher

  Schleiker si concentra su dipinti astratti con aree di colore con materialità luminosa e tattile, mentre lavora su oggetti in cui dipinti e oggetti si intersecano. Il suo lavoro si allontana dalla chiarezza e dalla serietà del minimalismo e persegue qualcosa di più emotivo e umano aggiungendo spirito. Guardandolo, l'artista spesso si allontana dalla rigida cornice rettangolare del dipinto e utilizza varie forme di forme sulla tela come cerchi, semicerchi e archi, e i contorni irregolari del pigmento che sfuggono ai confini della cornice limitata formano il bordi dei dipinti. Pertanto, il dipinto si espande nello spazio oltre la cornice. Il dipinto interviene nello spazio reale che circonda lo spettatore, come se la forma della cornice ad arco fosse una nuvola amorfa o la finestra ad arco di una cattedrale.

  I colori sovrapposti sullo schermo sembrano fondersi tra loro, ma a volte tremolano vagamente come se fossero macchie, mostrando ogni strato libero. L'artista ha a lungo esplorato le proprietà e i metodi di applicazione della tela, della superficie e del pigmento come supporto per la pittura. In particolare, viene creato uno strato molto sottile con un mezzo con forti proprietà fisiche come pigmento fluorescente o gel lucido, e gli strati vengono ripetutamente impilati fino a quando lo schermo è piatto. L'intenzione precisa e la composizione libera e spontanea lavorano insieme per sovrapporre ogni strato in modo irregolare, in modo trasparente o opaco, e man mano che si aggiungono le proprietà fisiche lisce e lucenti del pigmento, sullo schermo viene creato un senso ambiguo di spazio illusorio. Va oltre la pura superficie cromatica a cui mira la pittura a campi di colore e ha una sensibilità cromatica psichedelica insieme alla materialità della pittura tattile. In questo modo, il lavoro di Schleiker rinnova in materiale le caratteristiche immateriali dell'astrazione del campo di colore. Inoltre, i colori vividi, ad alta saturazione e brillanti e le proprietà artificiali dei pigmenti e dei gel fluorescenti hanno la vivacità e la giocosità visiva che deriva dalla cultura popolare. Quindi i suoi dipinti sono sia solenni che leggeri.

  Il suo lavoro include temi che hanno un significato per lui, come i tradizionali tappeti berberi marocchini, i colori nelle scene video come i Simpson animati o il film Cape Fear, o i colori altamente saturi e le proprietà appiccicose dei giocattoli appiccicosi (melma) con cui giocava. da bambino.Le cose che sono accadute si riflettono. Ben presto, la scena rappresentativa nella memoria viene filtrata in forma astratta e tradotta in colore e consistenza, trasformandosi in qualcosa di ambiguo e raro. I dipinti di Schleiker con strati di colore vacillanti non sono astrazioni che cercano di esprimere l'ordine universale o l'eternità, ma piuttosto sono domande su tale eternità o permanenza. Proietta in modo misterioso e umoristico la vita incompleta e finita, la sua incertezza e ambiguità.

  /Jake Bogg

  Boggs, un artista ceramista hawaiano, a volte soffre di un blocco allo stomaco. L'intenzione di una bottiglia con il beccuccio chiuso è quella di enfatizzare il suo aspetto estetico di oggetto annullando la sua funzionalità di contenere qualcosa. Si tratta anche di preservare l'anima insita nello spazio spirituale e metafisico a cui fa riferimento il teorico della ceramica Philip Rawson, o "spazio di Potter". L'artista fa riferimento alla storia attraverso il tempo e lo spazio, dall'archeologia alla moderna cultura della ceramica, e crea qualcosa di nuovo e insolito fondendo forme e segni di oggetti tradizionali e moderni.

  La caratteristica del lavoro di Boggs è che estrae e mescola elementi di design dalle tradizioni ceramiche di varie culture nella storia della ceramica, mostrando ibridità e ibridità. Ad esempio, il celadon coreano Goryeo è mescolato con la dinastia Ming cinese, vasi dipinti dell'antica Grecia e decorazioni di piatti del Rinascimento italiano. C'è anche una reinterpretazione della forma del 'maebyeong' di Goryeo e dell' 'ampora (porcellana contenente liquidi)' greca mescolati insieme. L'ispirazione trae anche dall'arte moderna, come i colori vivaci e le forme atipiche del "Memphis Design" popolare negli anni '1980, e le forme primitive delle sculture di Brancusi e i dipinti di pittori espressionisti astratti come Gerhard Richter e David Reed sulla superficie della ceramica, con riferimenti ovviamente anche ad elementi decorativi pittorici della storia dell'arte ceramica.

  Questi tocchi pittorici e le diverse espressioni cromatiche viste su superfici ceramiche astratte sono anche caratteristiche del lavoro di Boggs. Le texture vengono create sulla superficie della ceramica cotta a circa 1200 gradi Celsius utilizzando vari strumenti di scultura come racle di gomma flessibili, spugne e spazzole. Facendo riferimento alle meravigliose combinazioni di colori che già ci circondano, come set cinematografici, blocchi di marciapiedi, vestiti e architettura, l'artista, che ama soprattutto i colori del rinfrescante giardino tropicale fuori dalla finestra dello studio, assorbe le bellissime composizioni cromatiche che si trovano in natura e vita quotidiana e traducilo a modo tuo nel tuo lavoro. A volte, una narrazione viene creata immaginando una storia mitica, espressa in un linguaggio astratto, e nell'opera sono nascosti codici semantici e tracce simboliche che lo implicano.

  Oggetti in ceramica sconosciuti che sono stati convertiti in oggetti astratti hanno un significato nel discorso dell'arte visiva moderna in quanto rappresentano visivamente la storia circolante e le informazioni accumulate. La combinazione di tempi e luoghi diversi inizia con la contemplazione esistenziale dell'artista che va avanti e indietro tra il passato e il presente mentre vive, e i pensieri dell'artista vengono tradotti nel linguaggio visivo della forma, del colore e dello strato dell'oggetto, creando un senso di familiarità e non familiarità per il pubblico, che penetra nella curiosità e nei pensieri.

  ​Scritto | Juyeon Kang, direttore della Galleria JJ

  titolo della mostraSenza titolo: Piano, Strato

  periodo espositivo2023.06.16 (ven) - 2023.07.22 (sabato)

  Artista partecipante
  Inah Choi, Kalani Largusa, Nick Schleicher, Jake Boggs, Daehee Lee

  tempo di visione11: 00am - 07: 00pm

  giorni chiusiChiuso domenica e lunedì

  generepittura, ceramica

  tassa di ammissione무료

  postoGalleria JJ Galleria JJ (745 Nonhyeon-ro, Gangnam-gu, Seul (Nonhyeon-dong))

  연락처02-322-3979

Maggiori informazioni su Instagram @artncba